Under Construction

 
 

UNDER CONSTRUCTION

BY ALEX ATACK

Growing up in Dubai, my parents would take my siblings and I to the UK over the summer holidays. Arriving back to the UAE after five or six weeks away, we’d look out of the window of the car on the way home from the airport and point out all of the things that had changed in the time we’d been gone; a new skyscraper would’ve started construction on what used to be an empty sand lot, or a complex of villas had been flattened to make way for a hotel, or what used to be small roundabout was now on it’s way to becoming a spaghetti junction.

We’d play football in Safa Park – a huge green space with fair ground rides, ice cream stands and cafes. Then two years ago, they dug a canal right through the middle of it, bulldozing half of the park and circling a section of downtown Dubai to turn it into an island. The city changed so quickly, and it wasn’t sentimental about what it got rid of. And this is what Dubai has become known for; these construction projects are what you see on travel brochures and TV shows around the world.

They’ve had to keep up this rate of construction to mirror the city’s transient, expanding population. But because of it, residents live amongst an unusual landscape – a pattern of urban decay means that the peripheries of the city resemble a graveyard of half-funded construction projects. And in the city centres, land is constantly re-purposed for new construction ventures, meaning that the face of the city changes almost literally over night.

Shot over two years on whichever camera I had on me, this project is about the half-built spaces, and looks at how Dubai’s residents live amongst them.


Contact:
http://www.alexatack.com/

 

VISUAL SPACES OF CHAGE IN AMP: THE INTENTIONAL MANIPULATION OF IMAGE

 
 
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VISUAL SPACES OF CHAGE IN AMP: THE INTENTIONAL MANIPULATION OF IMAGE

EN / PT

Os Projectos de Fotografia Contemporâneos (CPP) que integram esta galeria - imagens construídas e manipuladas intencionalmente - devem funcionar como narrativas visuais que sugerem uma nova leitura ou criam novos cenários idealizados de espaços arquitetônicos e púbicos já existentes. 

Assim, estes trabalhos têm como referência autores que manipulam a imagem propositadamente, abandonando o compromisso de expressar literalmente a realidade percepcionada pelo olhar. Por um lado, estes podem ser autores que deliberadamente criam os seus projetos fotográficos (CPP) a partir de uma estratégia ou de um evento orquestrado com o objetivo de criar uma imagem ou série fotográfica. Alguns exemplos desses trabalhos são Erwin Wurm’s Outdoor Sculpture (1999), George Rousse’s Mairet (2000), Philip-Lorca diCorcia’s Head (2000) ou Jeff Wall's Passerby (1996).

Por outro lado, poderão ser autores que refletem as possibilidades atuais de criação de imagens com ferramentas digitais, que ampliam e potencializam significativamente a prática da fotografia, devendo estes CPP devem ser focados em cenários imaginários da atual Arquitetura e Espaços Públicos na AMP.
Indo além das tradicionais abordagens objetivas, explorando o universo ficcional e criando cenários alternativos ou leituras críticas dos espaços existentes, o objectivo é o de ir contra o consumo saturado de imagens de arquitectura nos mass media que é acrítico. Alguns exemplos dessas obras são os trabalhos de Idris Khan, Olivo Barbieri, Filip Dujardin, Beate Gütschow, Emilio Pemjean ou Isabel Brison.

Photograph by João Pedro Silva

 

VISUAL SPACES OF CHAGE IN AMP: THE INTENTIONAL MANIPULATION OF IMAGE

 
 
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VISUAL SPACES OF CHAGE IN AMP: THE INTENTIONAL MANIPULATION OF IMAGE

EN / PT

The Contemporary Photography Projects (CPP) should be visually narrating through constructed and manipulated images that suggest a new reading of, or create new idealized scenarios of existing architectural and public spaces or orchestrated events. 

Thus, these works should have as reference authors who manipulate the image on purpose, abandoning the commitment to the literal recording of reality as perceived by the eye. On the one hand, these can be authors who deliberately create their photographic projects (CPP) from a strategy or an event orchestrated for the sole purpose of creating an image or photographic series. Some examples of these works are Erwin Wurm’s Outdoor Sculpture (1999), George Rousse’s Mairet (2000), Philip-Lorca diCorcia’s Head (2000) or Jeff Wall’s Passerby (1996).

On the other hand, authors reflecting todays possibilities of image creation with digital tools, which expand and potentiate significantly the practice of photography, these CPP should be focused on imaginary scenarios of present Architecture and Public Spaces in AMP. Going beyond the traditional objective approaches, exploring the fictional universe and creating alternative scenarios or critical readings of existing spaces, we want to go against the uncritical saturated media consumption of architectural images. Some examples of these works are the works of Idris Khan, Olivo Barbieri, Filip Dujardin, Beate Gütschow, Emilio Pemjean or Isabel Brison.

Photograph by João Pedro Silva

 

CLOSED CITIES

 
 

CLOSED CITIES

BY GREGOR SAILER

SYNOPSIS
Closed Cities (2009–2012)

In his impressive photo series Gregor Sailer examines the forms taken by closed cities in Siberia, Azerbaijan, Qatar, Chile, Algeria / Western Sahara and Argentina. The term closed city was originally coined for the Soviet Union, where, for various reasons, the existence of numerous towns was long kept secret. Some of them were not officially "opened up" and added to maps until the early years of this century. Even today, there are still artificially created urban zones across the globe that are hermetically sealed off from the outside world either by walls or by the hostile landscape that surrounds them. These might be places where raw materials are extracted, military sites, refugee camps – or gated communities for the affluent. Such time-limited forms of urban settlement strikingly illustrate the turning point humanity is facing at the beginning of the 21st century in view of dwindling resources, climate change, political conflicts and the yearning for unqualified security.

BIOGRAPHY
Gregor Sailer was born in 1980 in the city of Tyrol, Austria where he currently lives and works.
Between 2002 and 2007, Sailer studied communication design, with a focus on photography and experimental film, at the Dortmund University of Applied Sciences and Arts (Germany).
In 2015 he was granted his master’s degree in photographic studies from the same institution. He has since received numerous international awards and produced several publications and exhibitions in New York, Washington D.C., Paris, Berlin, Frankfurt, Munich, Barcelona, Vienna, Prague, and Budapest.

CONTACT
info@gregorsailer.com

 

2º Ciclo de debates AAI2Lab - Entrevista a Pedro Leão Neto

 
 
 
 

ENTREVISTA A PEDRO LEÃO NETO

O 2º Ciclo de debates Arquitectura, Arte, Imagem e Inovação (AAI2), organizado pelo CCRE / CEAU / FAUP e pelo AAi2 Lab, realizou-se em Dezembro de 2018 no U.Porto Media Innovation Labs, e teve como foco a apresentação do projeto Visual Spaces of Changes (VSC).

Pedro Leão Neto, coordenador do grupo de investigação CCRE , do grupo de investigação de Fotografia SCOPIO e Professor de CFM e CAAD na FAUP, fala um pouco sobre o projeto Visual Spaces of Change (VSC).

 

2ND EDITION OF THE AAI DEBATES AT MIL-UP

 
 

EN / PT

2ND EDITION OF THE AAI DEBATES AT MIL-UP

On the past 12th of December the second series of the AAI debates - Architecture, Art and Image took place at the Media Inovation Laboratories of the University of Porto (MIL-UP), in which scopio Editions was part of the organization together with the research group CCRE - CEAU from the Faculty of Architecture of the University of Porto (FAUP), MIL-UP and the Laboratory of Architecture, Art, Image and Inovation (AAi2Lab).The second edition of AAI was dedicated to the project Visual Spaces of Change. After the presentation of the project by Pedro Leão Neto, two roundtables have been held along the day.

The theme of the morning's round table was "Image and Transformation of Public Space: the use of Photograph as an Instrument to Research and Question the City" - in this debate opened to a full audience, several research papers were presented in the scope of documentary photography and (FBAUP), followed by interventions by Manuela Matos Monteiro (SPACE MIRA), José Miguel Rodrigues (FAUP), Pedro Bandeira (Faculty of Architecture U.Minho), Luís Gonzaga (Center ALGORITMI U.Minho) and Pedro Moura (Metro do Porto).

In the afternoon, the second roundtable was presented with the theme "Visual Research Methods and Transdisciplinary Approaches for the Construction of Bridges Between Architecture, Art And Image." This table was attended by and presented by architects, photographers, academics, curators and artists such as Daniel Moreira and Rita Castro Neves, Andreia Garcia (Architect and Curator), Isa Clara Neves (Investigadora de Pós Doutoramento / Ces), Susana Lourenço Marques and José Carneiro (FBAUP), Francisco Adão da Fonseca and Pedro Jervel (SKREI), Lara Jacinto (Photographer), David Viana (CM Porto) and Manuela Pinto (MIL / New Media for Heritage Lab).

The VSC presentation and subsequent debates, besides other things, allowed to explore diverse ways of how contemporary photography can be explored as a meaningful instrument of research about contemporary processes of urban change, producing visual synthesis about how architectures, places and spaces are used and lived, rendering visible aspects which are difficult to perceive without the purposeful use of image and photography.The wide range of institutions, organizations, groups, researchers and authors with an interest in architecture, cultural and artistic production, from inside and outside the academia world, that participated in this second edition of AAI debates confirmed the relevance of this initiative for opening academia to society, fostering greater social interaction among researchers, artists and curators beyond their traditionally circumscribed spaces of action, expanding their capacity to participate in the public domain, which is a common objective of the AAI debates, the MIL-UP Laboratories and the project Visual Spaces of Change.

 

2ª EDIÇÃO DOS DEBATES AAI NO MIL-UP

 
 

EN / PT

2ª EDIÇÃO DOS DEBATES AAI NO MIL-UP

No passado dia 12 de Dezembro realizou-se a segunda série de debates AAI - Arquitectura, Arte e Imagem nos Laboratórios de Inovação Media da Universidade do Porto (MIL-UP), na qual a scopio Editions fazia parte da organização, juntamente com o grupo de investigação CCRE - CEAU da Faculdade de Arquitectura da Universidade do Porto (FAUP), os MIL-UP e o Laboratório de Arquitectura, Arte, Imagem e Inovação (AAi2Lab). A segunda edição da AAI foi dedicada ao projeto Visual Spaces of Change - após a apresentação do projeto, seguiram-se duas mesas redondas ao longo do dia. 

O tema da mesa redonda da manhã foi "Imagem e Transformação do Espaço Público: o Uso da Fotografia como Instrumento de Investigação e Questionamento da Cidade" – neste debate aberto a uma plateia cheia, foram apresentados diversos trabalhos de investigação no âmbito da fotografia documental e artística por Miguel Leal (FBAUP) e Gabriela Vaz-Pinheiro (FBAUP), seguido de intervenções de Manuela Matos Monteiro (ESPAÇO MIRA), José Miguel Rodrigues (FAUP), Pedro Bandeira (Faculdade de Arquitectura U.Minho), Luís Gonzaga (Centro ALGORITMI U.Minho) e Pedro Moura (Metro do Porto).

Da parte da tarde, a segunda mesa redonda teve como tema "Métodos de Investigação Visual e Abordagens Transdisciplinares para a Construção de Pontes entre Arquitectura, Arte E Imagem”. Esta mesa contou com a participação e apresentação de trabalhos de arquitectos, fotógrafos, académicos, curadores e artistas como a dupla Daniel Moreira e Rita Castro Neves, Andreia Garcia (Arquitecta e Curadora), Isa Clara Neves (Investigadora de Pós Doutoramento / Ces), Susana Lourenço Marques e José Carneiro (FBAUP), Francisco Adão da Fonseca e Pedro Jervel (SKREI), Lara Jacinto (Fotógrafa), David Viana (CM Porto) e Manuela Pinto (MIL /New Media for Heritage Lab).

A apresentação do VSC e os debates promovidos pelas mesas redondas permitiram discutir diversas formas de explorar a fotografia contemporânea enquanto instrumento significativo de investigação, registo e prospeção de processos contemporâneos de mudança urbana, através da produção de narrativas visuais sobre como arquiteturas, lugares e espaços são utilizados e vividos, tornando visíveis aspectos que são difíceis de perceber sem o uso intencional da imagem e da fotografia. 

O amplo espectro de instituições, organizações, grupos, investigadores e autores com interesses diversificados em arquitetura, fotografia, produção cultural e artística, que participaram desta segunda edição dos debates da AAI confirmaram a relevância desta iniciativa no movimento de abertura da academia à sociedade, fomentando maior interação social entre académicos, artistas, curadores e representantes de diversas instituições públicas para além de seus espaços de atuação tradicionais, ampliando sua capacidade de participação no domínio público, sendo este um objectivo comum dos debates AAI, dos MIL-UP e do projeto Visual Spaces of Change.

 

Paradise Fell

 
 

PARADISE FELL

BY DARSH SENEVIRATNE

Synopsis
Being raised by a Sri Lankan father meant pieces of his culture were scattered throughout our home and daily life. It has been strange but intriguing to watch how all these parts of my upbringing are now weaving their way into my everyday interactions in the cultural climate of Australia.

Drawaing inspiration from William Christenberry’s musings of rural Alabama and Lyndal Iron’s raw documentation of Sydney’s notorious Parramatta Road, my series “Paradise Fell“ aims to capture a portrait of my father’s home country of Sri Lanka - a nation struggling to define themselves in a post-war economic climate.

In only my second visit to Sri Lanka, I began a photographic exploration of the effects that the civil war and tsunami had on the landscape and its inhabitants. With an aim to visit wartom Jaffina in the north, and surfing hotspot Trincomalee and Arugambay on the east, my father and I retraced a route he had travelled with his family fifty year prior. Many areas we visited were quite sensitive: roofless, shells of houses with years of vegetation regrowth claiming back the structure; abandoned factories still manned by military checkpoints; parts of the city still inaccessible.

In a way, Sri Lanka is the quintessential battler. Rebuilding a society, both physically and psychologically, after a twenty-six year civil war and a deadly tsunami that killed over thirty thousand people is no simple task. Add to that the exponential influx of tourism and the economic politics it brings, and you have a country struggling to focus on the necessities, neglecting their people, and falling to rebuild what was so violently taken away.
Sri Lanka is going through a rapid development that it is not que ready for, and to this I wanted to turn a camera to further explore with an open-minded, positive conscience, and to shoot with respect and purpose.

Artist Statement
Darsh Seneviratne is a twenty-four year old photographer specialising in series-based work. With a passion for documentation and collection cultivated from a young age, his series range from being compiled over a few days to several years. Drawing on technical knowledge founded in traditional analogue photography, Seneviratne documents personal spaces and their inherent human interactions, collecting momentary happenings and structured portraits. These scenes compile series that seek to highlight the lasting traces of people. With a thorough focus on colour and image structure, and bound by the precision of accuracy demanded by analogue technology, Seneviratne creates these series to serve as a reflection of human interaction with per- sonal and public realms and how we perceive them.

Contact
darsh.seneviratne@gmail.com
www.cargocollective.com/darsh
@darshmallos

 

Praça Pedro Nunes - Frederico Martinho

 
 

PRAÇA PEDRO NUNES

BY FREDERICO MARTINHO

O trabalho visual Praça Pedro Nunes corresponde a um primeiro estudo exploratório desenvolvido no âmbito do projecto Visual Spaces of Change (VSC) que tem como objecto de estudo a praça Pedro Nunes. 

A primeira abordagem com a praça surgiu a partir das primeiras visitas ao local, chegado pela estação de metro Carolina Michaelis (imagem 1). Aqui, é imediata a relação visual que a praça estabelece com o eixo da rua de Augusto Luso através da centralidade de fachada do liceu Rodrigues de Freitas. A partir daqui tornou-se óbvio alargar o campo de análise a todo esse eixo dada a preponderância que este assume na cidade. Esse primeiro contacto visual que acontece no largo ajardinado da estação constrói imediatamente a ligação à praça, conferindo à rua que liga estes dois ponto um carácter de promenade (imagem 2). Este ponto que culmina o fim do olhar, descendente nesse sentido, faz com que o perfil banal e aleatório (ou seja, irreferenciado) da rua ganhe importância na medida em que a coloca na cidade através de um jogo de legibilidade (Lynch, Kevin). É nesta noção de legibilidade, tão cara aos arquitectos e urbanistas, que as fotografias (as que revelam) poderão assumir não só o papel de análise dessas leituras mas também, elas próprias, se apresentarem como objectos de pensamento autónomos.

Numa segunda leitura, já no interior da praça, surgem então outras características inerentes a esta praça, nomeadamente a relação entre as fachadas (imagem 3) que compõem o lado norte deste meio círculo e o simutâneo afastamento destas em relação à escola. Pelo desenho do jardim existente no centro, com uma sebe a impedir um atravessamento mais franco (imagem 4); um forte tráfego automóvel da rua que cruza a praça; pela carência de programa relevante para o espaço público (imagem 5); pelo abandono de alguns destes edifícios, esta praça é composta por inúmeros factores que dificultam a sua legibilidade. E então é nesta duplicidade que a praça apresenta - a fachada monumental e vivência do liceu, de um lado; a descaracterizada e pouco activa rua semi-circular, de outro lado - que se pode colocar a hipótese de um lugar que desconstrói a sua legibilidade consoante a sua aproximação. Ou seja, no processo da construção mental da cidade a força desta praça passa pela marcação de um ritmo de aproximação no seu eixo norte-sul, ao mesmo tempo que se destrói quando lhe descobrimos o interior.

A partir daqui podemos admitir que a leitura deste espaço (e, talvez, de outros espaços públicos) também se faz de distâncias - de aproximações e afastamentos. Nesse sentido, procuro, através da fotografia, explorar a percepção de interior e exterior da praça e potenciar uma experiência iminentemente háptica e visual, abrindo-a a uma ideia de cidade que assenta em vínculos físicos e imaginários.

 

Construção de Espaço Público na Cidade do Porto durante o século XX

 
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CONSTRUÇÃO DE ESPAÇO PÚBLICO

NA CIDADE DO PORTO DURANTE O SÉCULO XX

 

Os projectos fotográficos desta galeria têm como suporte a investigação conduzida por João Castro Ferreira no âmbito do seu doutoramento subordinado ao título Construção de Espaço Público na Cidade do Porto durante o século XX(2018 – 2013) um estudo que se debruça sobre compreensão da caracterização morfológica do espaço público, construído na cidade do Porto durante o período de 1890 a 2010, atendendo, em particular ao seu entendimento enquanto estrutura compositiva, procuramos distinguir tipos formais predominantes.

Procura-se através da fotografia documental e artística exploar esta temática do espaço público compreendendo estes espaços como objecto de trabalho documental e artístico, tendo como preocupação trazer novas leituras sobre estes espaços públicos e arquitectura. Há um especial interesse em explorar as leituras destes espaços públicos através de um percusro com diversas aproximações e afastamentos. Procura-se através da fotografia, explorar a percepção de interior e exterior das praças e potenciar uma experiência iminentemente háptica e visual, acreditando numa ideia de cidade que assenta em vínculos físicos e imaginários. 

 

OPEN CALL Bienal'19 - Ci.CLO Bienal

 
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Open call | Artist Creativity Grants

Application deadline: 06.01.2019 The 2019 Ci.CLO Bienal Fotografia do Porto in partnership with the Mira Forum and with the support of the Goethe-Institut Portugal, will award two Bolsas de Criação (Artist Creativity Grants) to support the development of new work to be exhibited in the Bienal programme curated by José Maia.


The 2019 Open Call is applicable to artists who are nationals or non-Portuguese residents in Portugal, their primary media is photography and/or video and their proposal responds to the theme of the 2019 Bienal, Adaptation and Transition.


Calendar

Deadline for submission of proposals: 06.01.2019

Application Outcome: 14.01.2019

Project development period: 21 January to 19 April 19 2019

Exhibition: 16 May to 3 July 2019


Download notice in PDF.

Open call_CiCLOBienal_Regulamento

 

Estações de Metro

 
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ESTAÇÕES DE METRO

 

Com este projeto pretende-se utilizar a fotografia como instrumento de registo, ficção, comunicação e análise crítica do espaço público, tendo as estações de metro da AMP e suas envolventes como territórios de estudo. O objectivo é o de criar e propor um conjunto de narrativas visuais críticas sobre os espaços públicos, programa e envolvente das estações de Metro. Interessa-nos sobretudo projectos capazes de adoptar estratégias no universo da fotografia contemporânea - documental artístico -  para simultaneamente, por um lado, documentar e registar as dinâmicas, processos, história e arquitecturas das Estações de Metro e, por outro, serem instrumento de investigação, descoberta e compreensão destas dinâmicas, processo e arquitecturas - espaços públicos.

Interessa que os CPP sejam capazes de trazer nova(s) perspetiva(s) sobre os espaços e as obras de arquitectura das Estações de Metro do Porto e que se distingam por uma apropriação artística consciente da imagem fotográfica, que é usada através de uma gramática e sintaxe próprias. Esta linguagem visual da fotografia deve ser utilizada não só como forma de registo e expressão da cultura arquitectónica e espaços das Estações de Metro do Porto, mas também como estratégia artística de forma a que as narrativas visuais tragam um novo discurso sobre o espaço e estas arquitecturas, o que significa, entre outros aspetos, entender a arquitectura simultaneamente como objeto de estudo disciplinar e artístico.

Fotografia de Paula Camilo

 
 

BAIRROS RESIDENCIAIS / SOCIAIS PORTO

 
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BAIRROS RESIDENCIAIS / SOCIAIS PORTO

Com este projeto pretende-se estudar e documentar um conjunto de bairros socais do Porto explorando a fotografia que é um meio de comunicação privilegiado conjugando um olhar documental e artísticos e estando atento à forma como estes programas de arquitectura e os seus espaços são vividos e apropriados. O objectivo é o de ampliar o conceito de arquitectura como um universo que integra diversas dimensões sociais, políticas, históricas e técnicas, bem como a forma como as pessoas vivem e trabalham nesses lugares e se apropriam dos espaços.

Interessa criar uma narrativa visual a partir de diversas imagens ou seja, representar as ideias do projecto através de um conjunto de fotografias estruturadas e não a partir da soma de um conjunto de imagens isoladas e / ou autónomas. Deve existir assim uma forte ligação entre a inter-relação das fotografias de cada composição e o significado e interpretação que são dados ao seu conjunto, sob a forma de narrativa visual. Fotografias que não são apenas signos de arquitectura, mas também registos que evocam a alma, ou o genius loci desses lugares e a forma como os seus espaços são apropriados e vividos.

Fotografia de Rita Silva

 

REPENSAR, QUESTIONAR REALIDADES URBANAS

 
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EN / PT

REPENSAR, QUESTIONAR REALIDADES URBANAS


A imagem fotográfica é muitas vezes utilizada apenas para ilustrar o carácter de um espaço e das pessoas que lá habitam com o propósito de provar determinado ponto de vista ou opinião. No entanto, a fotografia também pode ser um instrumento de pesquisa que permite descobrir novas perspectivas sobre a arquitectura e o espaço público. O intuito desta temática Repensar, Questionar Realidades Urbanas é integrar diversos projectos de fotografia contemporânea capazes de explorar e questionar realidades urbanas de diversas cidades e territórios da AMP, podendo ser objecto de estudo e artístico vários espaços urbanos, conjuntos de edifícios, zonas ou lugares públicos e outros componentes urbanos. 

As problemáticas que serão o enfoque dos projects fotográficos dependeram da sensibilidade e interesse pessoal de cada autor ou colectivo e podem ter como origem (i) diverso material bibliográfico e (ii) as perspectivas e interpretações pessoais de cada autor ou colectivo. O objectivo é que os projectos fotográficos comuniquem de forma não convencional, a riqueza e variedade da realidade urbana destes territórios, onde a arquitectura de várias épocas, e a sua História por vezes assumem um papel marcante no carácter do espaço e das suas vivências. Pretende-se oferecer novas perspectivas sobre estes espaços, procurando detalhes e vistas que possam dar relevância a características do lugar que de outra forma não seriam reconhecidas. Pretende-se ir para além do óbvio, tentando comunicar o que é mais subtil ou complexo, tendo em atenção a riqueza das várias vivências do lugar.

Pretende-se construir uma narrativa visual que seja um dispositivo de memória crítica e alegórica do espaço, uma fotografia com um carácter que pertença simultaneamente aos universos documental e ficcional, existindo a liberdade para adoptar diversas estratégias artísticas de forma a tornar possível diversos níveis de contaminação entre estes dois universos. Não se pretende ilustrar ou reconstruir os espaços ou edifícios, mas antes criar uma série fotográfica capaz de uma leitura poética e crítica sobre os mesmos.

 

I'm Here With You

 
 

I’M HERE WITH YOU

BY GOWUN LEE

The majority of LGBTQ people in South Korea hide their true identities from their colleagues, friends and their families. Despite a recent surge in LGBTQ activism, Korea remains a very conservative country and those who come out face being disowned by family or dismissed from their employers. Many Koreans still express bitter hostility toward LGBTQ people, while others simply deny their existence. The Korean military actively hunts down gay soldiers, going so far as to mount sting operations using gay dating apps. And when someone does come out, parents and family members often choose to ignore the truth.

This project literally and metaphorically represents sexual minorities living in Korea who are forced to hide their sexual identity. The LGBTQ individuals photographed—all facing away from the camera—remind us of how Korean society continues to neglect and refuse to accept them. By creating these images, my intent is to both implicate the viewer in the nation’s larger refusal to acknowledge the identity of LGBTQ individuals and, more importantly, to spur us all to take action and change this attitude once and for all.

ABOUT THE AUTHOR

Gowun Lee (b. 1984) is a visual artist who utilizes photography. She explores themes of a social issue such as LGBTQ in South Korea and human relationship in conceptual ways. She moved to South Korea from New York for her ongoing project.

She received BFA in Photography from the School of Visual Arts. She has been shortlisted for Tokyo International Photo Competition, ZEISS Photography Award 2018, 2018 Aperture Summer Open: The Way We Live Now.

Her images have been featured in Open Society Foundations, The Guardian, CNN Style, Bubblegumclub, Aperture Foundation, Korean daily, Monthly photo, ZEISS LensPire, and World Photography Organization.

Her work has been included in exhibitions at the United Photo Industries Gallery in New York, Onfoto Gallery in Taiwan, SVA Chelsea Gallery in New York, Tak Gallery in Seoul, MayFlay in Seoul, Wonder Fotoday in Taiwan, Head On Photo Festival in Australia , Somerset house in London and Upcoming exhibition T3 Photo Festival in Tokyo.


Web: www.gowunlee.com
Instagram: http://instagram.com/gowunlee_



 

You don't look Native to me

 
 

YOU DON’T LOOK NATIVE TO ME

BY MARIA STURM

“You don‘t look Native to me is a quote and the title of a body of work, that shows excerpts from the lives of young Native Americans from around Pembroke, Robeson County, North Carolina, where 89% of the city’s population identifies as Native American. The town is the tribal seat of the Lumbee Indian Tribe of North Carolina, the largest state-recognized Native American tribe east of the Mississippi River, which means they are federally unrecognized and therefore have no reservation nor any monetary benefits.

I am tracing their ways of self-representation, transformed through history, questions of identity with which they are confronted on a daily basis, and their reawakening pride in being Native. The work consists of portraits, along with landscapes and places, interiors, still lives, and situations. The aesthetic framework that is presented offers clues – sometimes subtle, sometimes loud – for imparting a feeling for their everyday lives.

My work engages an unfamiliar mix of concepts: a Native American tribe whose members are ignored by the outside world, who do not wear their otherness on their physique, but who are firm in their identity. Through photography, video and interviews, I am investigating what happens when social and institutional structures break down and people are forced to rely on themselves for their own resources. This raises questions to the viewer regarding one’s own identity and membership to the unspecified mainstream.

This work was started in 2011.”

Maria Sturm

Since 2011, Maria Sturm has photographed teenagers from the Lumbee tribe in and around Pembroke, North Carolina, where almost 90 percent of the population identifies as Native American. Unlike other native tribes, the Lumbee were not forced to move during colonial expansion and have subsequently maintained a strong connection to their land. Sturm’s series You Don’t Look Native to Me considers how young Native people present themselves today in relation to their identity and culture. At first glance, Sturm’s photographs might appear to depict the daily life of a community almost anywhere in America, but elements of hybridity—Halloween fangs on a child in Tuscarora regalia; dreamcatchers and a school portrait on a living room wall—signify the mixing of heritage and contemporary culture.

ABOUT THE AUTHOR

Maria Sturm (b. 1985, Romania) received a diploma in Photography from FH Bielefeld in 2012 and a MFA in Photography from Rhode Island School of Design. She is a Fulbright and DAAD scholar. She has won several prizes including the New York Photo Award 2012 and the DOCfield Dummy Award Barcelona 2015 with the work Be Good.

Her most recent work You don't look Native to me about the unrecognized Lumbee tribe of North Carolina was nominated for Vonovia Award, shortlisted for PhotoLondon La Fabrica Book Dummy Award and made the 2nd place at Unseen Dummy Award. It was published in British Journal of Photography and Filmbulletin and exhibited in the German Consulate New York, Clamp Art New York, Wiesbadener Fototage, Encontros da Imagem, at Artists Unlimited Bielefeld and at Aperture Foundation New York among others.

It will be next shown at Addis Foto Fest and Photo Vogue Festival.

Having met in during a month-long residency at Atelier de Visu Marseille and workshop with Antoine d'Agata in 2012 Cemre Yeşil and Maria Sturm kept in touch ever since. Their permanent exchange led them to start a collaboration and in 2014 they have photographed For Birds' Sake, a work about the Birdmen of Istanbul. This work was published as a photobook by La Fabrica Madrid and featured in Colors Magazine, The Guardian, British Journal of Photography and ZEITmagazin among others. It was exhibited during Internacional de Fotografa de Cabo Verde, FotoIstanbul, Bitume Photofest Lecce, Organ Vida International Photography Festival Zagreb, Format Festival Derby, Darmstädter Tage der Fotografie and at Daire Gallery, Sol Koffler Providence, La Fabrica Madrid, Pavlov's Dog Berlin, Deichtorhallen Hamburg and it was a finalist at PHE OjodePez Award for Human Values 2015 and Renaissance Photography Prize 2017 and nominated for Lead Awards 2016 and Henri-Nannen-Preis 2016. It was also shortlisted at Arles Author Book Award 2016 and Prix Levallois 2017.


instagram: https://instagram.com/maria__sturm/
facebook:  https://www.facebook.com/maria.sturm
twitter: https://twitter.com/maria_sturm

 

INAUGURAÇÃO/OPENING da terra acesa | sput&nik the window |

 
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É já este sábado, dia 24, a partir das 21h30, que inaugura a exposição da terra acesa de Rita Castro Neves e Daniel Moreira na sput&nik the window, no Porto. 

O som é do Gustavo Costa e o texto da exposição da Vera Lúcia Carmo.

Sinopse

Para quem se debruça sobre a paisagem, os incêndios florestais portugueses - da destruição, da má política, do lucro fácil e da má memória – são matéria sensível para trabalhar questões muito prementes sobre território, ação humana e natureza.­­

Por força dos grandes incêndios de 15 de outubro de 2017 em Pedorido, Castelo de Paiva, nas desativadas Minas do Pejão, o carvão que se encontra debaixo da terra e que está naturalmente em combustão lenta, ativa-se com o aquecimento global provocado pelo incêndio florestal, entrando em combustão acelerada visível. À destruição provocada em cima da terra corresponde uma ebulição debaixo dos pés – num movimento descontrolado e em cadeia que ameaça, com fumo e fogo, a vida à superfície.

Foi nas antigas Minas do Pejão, dentro do seu terreno vedado, e na altura a ser tratado com químicos, que com Gustavo Costa, gravámos imagens e sons com paus queimados de uma árvore que outrora pertenceu a uma mata.

da terra acesa é uma instalação realizada para o espaço da sput&nik the window, que apresenta uma paisagem e o seu avesso, para a partir da construção de uma aparência e do seu reverso pensar a destruição do território e a estrutura do comportamento humano. Assim se reacendendo feridas antigas.

Sound is by Gustavo Costa and the exhibition text by Vera Lúcia Carmo.

Inauguração no sábado 24 de Novembro de 2018 às 21h30
Último dia da exposição dia 19 de Janeiro de 2019
Rua do Bonjardim nº 1340 no Porto | sputenik169@gmail.com
Horário por marcação (919 010 716) de quinta a sábado

daniel moreira & rita castro neves
www.danielmoreira.net | www.ritacastroneves.com

 

The Rage Of Devotion: Liza Ambrossio

 
 

THE RAGE OF DEVOTION

Some time ago I decided to change my life in the most extraordinary way possible. I looked in and without intending it I remembered the phrase with which my mother said goodbye the last time I saw her at sixteen years old – “I wish you well, and believe me I hope you´ll become strong and brave, so you can be merciless when the time comes to destroy your body and crush your soul the next time we see each other”- After an overwhelming emotional breakdown, I started this series of images intermingling with pictorial canvases and photographs of my family archive to impel the observer to immerse themselves in my psychology. 

I stumble, but in the same way freeing myself, finding their lascivious looks, my fear of touch and the instinctive repulsion that represents for me the concept of “family”. In “The rage of devotion” I discover that although I look, I don´t want to see, because what lives inside me, looks and it is completely monstrous.

Liza Ambrossio

ABOUT THE AUTHOR

Liza Ambrossio is an young Mexican artist based in Madrid, Spain. Her body of work combines photographs of macabre archive with cryptic paintings, performance, intervention, installations, videos, psychology, lucid nightmares, science fiction, ero-guro and witchcraft that come together in free association.

Wen she was sixteen years old she asked for one of the house keepers of her mother's house to steal photographs of the family albums while Liza self-portraying herself looking for ways to survive away from her family's own decision, while compiling chilling early-morning scenes in Mexico City, her mental and real travels from her adolescence to her adulthood. In her project The rage of devotion-La ira de la devoción, the feminine is threatening because it seduces and in the poetics of its seduction devours. Project awarded with the Discoveries scholarship of Photo España-La Fabrica, the scholarship portfolio review for FotoFest 2018 in Houston, she was selected to participate for New Visions 2018 in the Cortona On the Move Festival, Italy, she received the first honorific mention for the Emerging Prize within the Encontros Da Imagens festival-2018, Portugal and the first prize in the Voies Off Award 2018 in Les Rencontres de la Photographie, Arles, France. Resulting in a photo book co-edited by Desiertas Ediciones and La Fabrica.

For her latest project  Blood Orange-Naranja de Sangre, Liza paints with three colors: orange, red and yellow the psychology of uprooting, madness, love and loneliness as an affront to terror and dehumanization because she believes that human passion is in itself a act of challenge. Series awarded with the FNAC New Talent Award, 2018, the 6th. Edition of the (TAI) Photography Talent Grant, Liza is currently selected for the contest Full Contact in Tarragona, Spain and she was winner of the Babel Gallery Award (Brazil) in the first Contest of Contemporary Photography of Latin America in Monterrey, Mexico and the DOCfield Dummy Award Fundación Banc Sabadell 2018 in Barcelona, ​​Spain. She has recently been nominated for the Plat(t)form prize of Winterthur Fotomuseum in Switzerland 2019 and she has been invited to exhibit at the FORMAT19 festival in the UK;  Liza has been granted with scholarships for production residencies in Iceland, the United States and Luxembourg 2017-2018.

Links
www.lizaambrossio.com
https://vimeo.com/276196677
https://vimeo.com/user66654129
https://elpais.com/cultura/2018/10/04/babelia/1538649113_222111.html
https://www.lofficielmexico.com/arte-y-cultura/entrevista-liza-ambrossio
http://www.camaraoscura.net/liza-ambrossio-la-ira-de-la-devocion-apertura-13-septiembre-17-noviembre-2018/?lang=en